Catalogues

À la croisée de l'art et de la médecine

Catalogue d'une exposition présentée à la Galerie d'art Foreman de l'Université Bishop’s, à la Galerie d’art du Centre culturel de l’Université de Sherbrooke et au campus de la santé de l’Université de Sherbrooke, simultanément, du 10 septembre au 13 décembre 2008.

Artistes : Philippe Bazin (France), Bioteknica (Canada), Geneviève Cadieux (Québec, Canada), Farrell & Parkin (Australie), Betty Goodwin (Québec, Canada), Nathalie Grimard (Canada), Nicole Jolicoeur (Québec, Canada), Lyne Lapointe (Québec, Canada), François Morelli (Québec, Canada), Joey Morgan (États-Unis), Geneviève Pernin (France), Tanya St-Pierre (Québec, Canada), Kiki Smith (États-Unis), Lisa Steele & Kim Tomczak (Canada), Veit Stratmann (France), Annie Thibault (Québec, Canada), Richard-Max Tremblay (Québec, Canada) et Bill Viola (États-Unis)

Textes : Philippe Bazin, Marie-France Beaudoin, Thierry Davila, Jason Knight et Jennifer Willet

Références bibliographiques : Nicolas Davignon

Avant-propos : Vicky Chainey Gagnon, France Mainville et Réjean Hébert

Catalogue d'une exposition présentée à la Galerie d'art Foreman, Sherbrooke, Université Bishop’s, à la Galerie d’art du Centre culturel de l’Université de Sherbrooke et au campus de la santé de l’Université de Sherbrooke, simultanément, du 10 septembre au 13 décembre 2008.

Les dix-huit œuvres présentées dans l’exposition À la croisée de l’art et de la médecine / At the Crossroads of Art and Medicine renvoient le spectateur aux mystères du corps et offrent une réflexion sur l’art et la condition humaine. Il ne s’agit pas ici d’offrir une illustration du milieu médical mais de présenter une diversité d’observations sensibles et intelligentes qui sont à la fois liées à des enjeux actuels en arts visuels et en médecine.

L’exposition s’articule autour de trois axes définis selon l’objet du regard et du geste posé par l’artiste : le corps comme sujet, l’organisation psychique de l’humain et les nouvelles technologies. Dans tous les cas, la référence au médical est une métaphore qui permet de poser des questions fondamentales sur la condition humaine, la vie, la mort, la souffrance, la maladie et les enjeux que posent les progrès fulgurants des recherches en biosciences.

Les œuvres de Geneviève Cadieux, Farrell & Parkin, Betty Goodwin, Nathalie Grimard, Lyne Lapointe, François Morelli et Geneviève Pernin font référence au corps, à sa transformation ou à sa manipulation, dans et par la souffrance, ainsi qu’à sa fragilité.

Les artistes Philippe Bazin, Nicole Jolicoeur, Kiki Smith, Steele & Tomczak, Veit Stratmann, Richrad-Max Tremblay et Bill Viola posent un regard sur la manifestation du psychologique ainsi que sur la maladie mentale à travers la souffrance qu’elle engendre et le regard distancé qu’elle provoque.

Le troisième axe soulève des questions sur les enjeux éthiques et esthétiques que posent les découvertes et les recherches en sciences de la santé et dans les arts visuels, à travers les œuvres de Bioteknica, Joey Morgan, Tanya St-Pierre et Annie Thibault.

L O R E

Catalogue d'une exposition présentée à la Galerie 101, Ottawa, Ont., 5 sept. – 4 oct . 2008 et ensuite à la Galerie d'art Foreman, Sherbrooke, Québec, 9 mai – 4 juil. 2009.
Texte : Ryan Rice
Préface de Vicky Chainey Gagnon et Leanne L’Hirondelle (anglais)

L’exposition LORE, sous le commissariat de Ryan Rice, met en valeur le travail des artistes Duane Linklater, Jason Lujan et Tania Willard. La valeur de cette exposition tient dans l’exploration de la tradition orale, la percevant comme une entité vivante et changeante qui incorpore de nouveaux éléments tels que la vidéo, les textes écrits et les images. Le présent travail représente fortement, pour chaque artiste de façon spécifique, des pratiques qui critiquent, manipulent, et reconsidèrent des traditions du conte selon la perspective des Premières Nations. Nous pouvons mieux comprendre, à travers chaque œuvre, le point de vue qui a été forgé par le colonialisme et les croyances culturelles. L’essai sensé de Ryan Rice s’intéresse à l’apparence inoffensive de ces histoires.

SYLVIE BOUCHARD
Trois coups sous les arbres

Catalogue d'une exposition tenue à la Galerie d'art Foreman de l'Université Bishop's, du 10 mai au 28 juin 2008.

Texte : Vicky Chainey Gagnon, Geneviève Chevalier
Comprend des références bibliographiques

La galerie d’art Foreman organise chaque année une exposition portant sur un thème qui touche particulièrement la région. Dans le cadre de cette série d’expositions intitulée Carte Blanche, l’artiste québécoise de renom Sylvie Bouchard a réalisé une toute nouvelle installation in situ, Trois coups sous les arbres, inspirée du paysage naturel de l’université. Depuis le début des années quatre-vingt, Sylvie Bouchard s’est imposée comme une figure marquante de l’art contemporain au Québec. Il y est question d’espaces et de surfaces, de lieux dont la profondeur est ambiguë et de thématiques se développant en rapport étroit avec les composantes matérielles. Son dernier travail, Trois coups sous les arbres, met en jeu ces thèmes mais les représente dans un environnement tridimensionnel.

JEANNIE THIB : lure

Catalogue d'une exposition présentée à la Art Gallery of Sudbury, Sudbury, Ontario, à The Koffler Gallery, Koffler Centre of the Arts, Toronto, Ontario et à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s, Sherbrooke, Quebec.

Texte : Patrick Mahon, Suzanne Danis Légé
Comprend des références bibliographiques.
Avant-propos de Celeste Scopelites

Le catalogue, qui comprend des essais de Patrick Mahon et Suzanne Danis Légé, a pour titre Lure /Leurre, comme celui de l’exposition conçue par la Koffler Gallery et présentée en 2004 à la Galerie d’art de Sudbury, puis en 2005 à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s intitulée Pattern Fields. Mais le catalogue contient d’autres installations de Thib, reliées par l’intermédiaire du motif et du processus : Fac-similé / Simili à la Maison patrimoniale de Barthète en 2006, Spill à De Overslag, Eindhoven (Pays Bas) en 2002, et Frêt, en 2000, à la Galerie Engramme dans la ville de Québec, à l’occasion de la Manifestation internationale d’Art de Québec. Model est un montage conçu en 2003 pour faire partie d’une exposition au Musée royal de l’Ontario (ROM) Échos d’artistes : perspectives contemporaines des Collections du ROM, organisée par l’Institut de culture contemporaine. Par la suite Frêt a été présenté en solo à la Stride Gallery de Calgary, Alberta, et à la galerie d’art de Kitchener / Waterloo, Ontario, lors d’une exposition par trois artistes : DE LUXE :Varieties of Transitional Light, ainsi qu’à la Leo Kamen Gallery de Toronto.

Se manifestant sous plusieurs formes - croquis de charbon de bois, installations de papier, animations – les travaux de Lucie Chan engagent des thèmes tels que le désir et regret, le déracinement et les diasporas.

Cette première étude monographique de Lucie Chan comporte de la documentation sur ses précédents travaux réalisés jusqu’ici. L’ouvrage qui l’accompagne regroupe des essais qui examinent les thèmes du nouveau corps de projet de Lucie (The Tears project) aussi bien que ses récentes déviations vers l’animation. Plus de vingt-cinq photographies en couleur documentent les deux spécifiques sites d’installation montés à Sherbrooke et Halifax.

Vicky Chainey Gagnon, la conservatrice de la Galerie d’art Foreman écrit: “En développant  the Tears project, Chan a dessiné sur ses expériences en questionnant des récents immigrés du Canada. Les animations poétiques de Chan sont basées sur ses interactions avec ces individus, leurs histoires personnelles et expériences. En dehors de l'obscurité sombre et de l'ambiguïté des dessins de larme, ses délicates animations constituent la seule couleur de l’exposition et représentent l’espoir que les sujets de Chan ont pour leur futur dans un nouveau pays ».

Lucie Chan est titulaire d’un BFA du Collège d’Alberta en Art en Design et un MFA du Collège de Nova Scotia en Art et Design. Elle a participé à plusieurs expositions de groupe au Canada et principalement à Halifax, Toronto et Montréal. En 2003, elle a achevé le programme de résidence d’artiste à la Galerie d’art de Nova Scotia et clôt des résidences au Centre d’art Banff en 2004 et 2008. Ses travaux furent récemment part d’une exposition itinérante, Just My Imagination qui compte les œuvres de 14 artistes contemporains canadiens œuvrant dans l’art du dessin. Sa dernière création the Tears project a été à l'origine monté à la Galerie d’art Foreman de l’Université Bishop’s à Lennoxville, Québec en 2006 et dernièrement présenté à la Galerie d’art de Nova Scotia en 2007 puis sur leur site Yarmouth en 2008. Elle sera membre participante de l’exposition de groupe qui se tiendra à National Gallery of Canada à l’automne 2008.

Utopia Suite Disco by Clive Holden

Carnet de visite autoguidée
30 janvier - 29 mars 2008

Les projets de l’artiste torontois Clive Holden font fi des frontières qui séparent le cinéma, la vidéo, la culture Web et les nouvelles formes littéraires. L’artiste s’intéresse tout particulièrement à la façon dont ces moyens d’expression reflètent différentes identités sociales et politiques. Son œuvre la plus récente, l’installation Utopia Suite Disco1, fonde un espace utopique contemporain dans lequel le spectateur est invité à réfléchir à la question suivante : « Le mouvement naît-il de l’espoir ? » L’œuvre comprend un plancher de danse, une « hutte lumineuse » de forme cubique, une série de projections montrant un aréopage de héros utopistes réels et imaginaires, ainsi qu’une trame sonore. Au cœur d’Utopia Suite Disco flotte un parfum de nostalgie des années soixante-dix, avec sa trame sonore disco et ses images de John Travolta dans le rôle de Tony Manero, roi de la danse disco et principal protagoniste du film à succès Saturday Night Fever, sorti en 1977. À l’instar du personnage interprété par Travolta, le spectateur, porté par un rythme enivrant et enfermé dans une discothèque numérique de rêves utopiques, est invité à s’émanciper par la danse. (Vicky Chainey Gagnon, commissaire de l”exposition)

Reading the Image: Poetics of the Black Diaspora

Catalogue de l'exposition
14 novembre, 2007 - 19 janvier, 2008

Reading the Image: Poetics of the Black Diaspora rassemble des œuvres photographiques, vidéographiques et installatives d’artistes appartenant à la diaspora africaine. Ces œuvres portent tour à tour sur le phénomène des diasporas, le rôle du peuple africain au sein de la modernité et de sa notion de progrès, l’histoire du christianisme et de l’Église en tant qu’institution sociale dans le monde noir, le traumatisme et la construction de soi, la formation de communautés et de races et la relation entre les systèmes de représentation et l’époque coloniale et postcoloniale. L’exposition présente une gamme variée d’esthétiques et de points de vue, qui transmettent des histoires subjectives liées à la modernité. À travers chacune de ces histoires, la négritude et la diaspora sont définies non pas comme étant d’essence immuable, mais plutôt comme des constructions sociales.

Documents

Self-Guided Tour Booklet
12 septembre - 3 novembre, 2007

Documents

Pamphlet / Poster
12 septembre - 3 novembre 2007

C’est à partir d’un matériau aussi commun que le contreplaqué qu’Yechel Gagnon fait naître toute une série d’associations empreintes de poésie. Les panneaux de contreplaqué se font caméléons sous les mains de l’artiste : ils deviennent tour à tour bas-reliefs, frottage, embossage, éléments sculpturaux. Ses outils de toutes sortes explorent les couches superposées de la matière, les fouillent, les creusent de sillons, toujours soucieux de révéler la véritable nature du bois, son grain et les différentes teintes qui le colorent. Les panneaux de contreplaqué assurent également la fonction de matrices lors de la préparation de frottages ou de papiers embossés, une technique qui emprunte à la gravure. Gagnon sait « lire » la matière pour qu’émergent à sa surface et comme par magie, autant de couleurs, motifs et textures. En plus de nous suggérer des lieux imaginaires, le travail récent de l’artiste est ancré dans des endroits bien précis. On remarque une évolution qui va du bas-relief vers une occupation plus affirmée de l’espace architecturale et une approche plus ouvertement in-situ. Peut-être cela vient-il d’un intérêt marqué pour l’architecture et d’une grande sensibilité face à ce qui l’entoure. N’empêche que des œuvres telles que Hoarding (qui signifie palissade) et St-Henri, ainsi qu’Osmose et Vortex portent en elles un discours sur la nature du lieu lui-même. Toute la pratique de Gagnon a été bouleversée par cette nouvelle approche qui fait maintenant l’objet d’une exposition - Documents, à l’occasion de laquelle ont été rassemblé croquis, maquettes, projet virtuel ainsi qu’œuvres sculpturales.

L’exposition Birdwatching: Landscape and Leisure / un cadre naturel pour les loisirs traite particulièrement de l’histoire de l’ornithologie associée aux loisirs dans le cadre des Cantons-de-l’Est du Québec, à travers un mélange d’objets naturels, de coutumes locales, d’œuvres d’art contemporaines et d’expériences vécues. Son but est de nous éclairer sur la manière dont ce cadre naturel a été utilisé, perçu et représenté dans la culture visuelle, tout en célébrant l’enchantement que les oiseaux procurent aux humains de tout âge, jeunes et vieux compris.

La ville ressemble à un terrain de jeux, un espace palpitant au sein duquel vous pouvez vous fondre dans un labyrinthe de possibilités, découvrir de nouveaux trésors et vous forger de nouvelles identités. De tout temps les artistes ont maintenu des liens étroits avec la ville et s’en sont servis comme source d’inspiration pour transformer la perception quotidienne que nous en avons. C’est sur ces réalités urbaines que se concentre l’exposition Le Temps s’inscrit à l’intérieur de l’image [3] et sur les décors perpétuellement changeants de la vie dans la cité, décors qui soulèvent l’intérêt des artistes.

Cette première monographie sur l'œuvre de Rewakowicz interroge de diverses manières toute la question de l'identité reliée à l'habitat et au vêtement. En contraste avec la masse stable qu'est la sculpture et l'architecture monumentale, les costumes et structures de l'artiste sont gonflables et mobiles, et s'intéressent aux lieu et aux personnes qui les activent. En utilisant des matériaux tels le latex, le polyéthylène, le papier d'aluminium et des panneaux solaires, Rewakowicz apprivoise les technologies afin de créer des expériences publiques et des vêtements fonctionnels qui peuvent se transformer en architecture portable, voir nomade. En français et anglais

Ce catalogue présente deux ouvres remarquables aux proportions quasi-monumentales créées par l'artiste Denyse Thomasos en 2004. Tracking: Thirty Years in Canada, Thirty Years in Trinidad a été présenté à la galerie d'art Foreman de l'Université Bishop (Québec) en 2004, et Tracking: Bombings, Wars & Genocide - A Six Months' Journey from New York to China, Vietnam, Cambodia & Indonesia a été exposé à la galerie d'art de l'Université Mount Saint Vincent, en Nouvelle Écosse.

Denyse Thomasos est une artiste-peintre ouvrant dans la tradition de l'art non-figuratif. Sur les plans conceptuel et esthétique, ses oeuvres peuvent sembler renvoyer uniquement à la peinture moderne, mais elles englobent également des signes figuratifs de structures architecturales récurrentes qui, jointes à une profondeur spatial et son patrimoine culturel, créent une symphonie de couleurs et de mouvements qui jettent un regard plus éclairé sur l'expérience humaine. (Gaëtane Verna).

Fascinée par trois carrières de granite abandonnées dans les cantons de l'est du Québec, Irene F. Whittome a développé un projet multi-disciplinaire d'une intrigante envergure. Avec un historien d'art et une ethnologue elle a exploré et documenté les carrières et leurs environs, ainsi que les aspects socio-économiques qui l'accompagnaient. Cette publication nous présente les résultats des explorations de ces carrières effectuées par Whittome. Ces résultats ont menés à l'achat des carrières afin qu'elles soient utilisées comme laboratoires et sites d'enseignement.

Conversations Adru, une installation multi-médias de sculptures, photographies, artefacts et bande sonore électro-acoustique provenant du site, nous offre une méditation riche et évocatrice sur le temps et sa transcendance. Inclut un essai, une entrevue et une chronologie du projet.
En français et anglais.

Les artistes visuels qui s'en prennent aux textes écrits et en brassent les mots cherchent-ils simplement à prendre leur revanche sur les écrivains qui les tourmentent avec leur rhétorique sur l'art ? C'est probable, mais on pourrait dire que le contraire est aussi vrai et que ceux qui travaillent ainsi sur le langage cherchent à l'appréhender d'autre manière. Les artistes canadiens, quant à eux, fonctionnent au sein d'un cadre politique où la détermination de deux langues officielles accolées à plusieurs autres qui ne le sont pas rend l'officialisation linguistique aussi problématique que la manière informelle de s'en mêler. Dans ce projet, nous avons tenté d'examiner ce qui, dans l'art contemporain, nous incite à fixer notre regard sur le langage en soi et non à travers lui (le langage comme fin et non comme moyen).